Julieta Aranda

Análisis estético y crítico de la obra de JULIETA ARANDA ( México)

 

It will, it will. I have guaranteed it 2014

Aranda en sus obras siempre ha explorado su perfil subjetivo para buscar respuestas a la forma de ser de cada quien, así como nos ha demostrado que cada imagen, no necesariamente humana puede llegar a ser un autorretrato, de esta manera nos da a conocer las transformaciones de significado que se originan en los procesos de transmisión de datos y en la precisión de los sistemas de traducción, la relación señal- ruido de su obra.

“Julieta Aranda nació en la Ciudad de México en 1975 y actualmente vive entre Nueva York y Berlín. Su práctica multidimensional se ocupa de una amplia gama de temas, incluyendo los mecanismos de circulación y la idea de una "poética de la circulación " ; el tema politizado o la posibilidad de una subjetividad politizada ; la percepción y uso del tiempo ; y el poder de uno sobre el imaginario. Los proyectos toman la forma de los medios impresos, la instalación, el video y la organización comunitaria.

Como co- director de e -Flux con Anton Vidokle , desarrolló el Monte de Piedad proyectos (actualmente en Beijing ) y de flujo de correo de alquiler de videos , que se inició en la tienda e- Flux en Nueva York en 2004, y ha viajado a más de quince lugares de todo el mundo. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en lugares como el Museo Solomon R. Guggenheim ( 2009 ) , donde fue el primer artista en hacer una presentación en solitario para el " Intervalos " serie de exposiciones ; Kunstverein Arnsberg ( 2010 ) , el MOCA de Miami ( 2009 ) , Witte de With ( 2010 ) , Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ( 2007 ) , 2 ª Bienal de Moscú ( 2007 ) , MUSAC España ( 2006 ) , y VII Bienal de La Habana ( 2000 ),entre otros” .
 

La obra de Julieta Aranda está ubicada en el Museo de Arte Moderno y está formada en un espacio de intervención artística, la cual consiste en un túnel cubierto por stickers con números 0 y 1 de manera alternada y en algunos casos espontánea, el largo del túnel es de 7 metros aproximadamente, la obra consta de audio, se trata de tambores que suenan acorde a los latidos del corazón de la misma artista, cuyo registro tomó 24 horas.

Me resulta impresionante la forma de representar su autorretrato mediante los latidos de su corazón pero al mismo tiempo resaltar que se pueda manejar mediante un lenguaje binario un sonido que parecería no tener notas, por llamarlo así.

En esta obra lo que Aranda desea resaltar es la decodificación de mensajes la cual mediante números se ha dado con absoluta certeza de que ningún ruido es igual a otro, ya que en la pausa de entre ruido y ruido existe algo que cambia y se escucha de forma tan leve y muchas veces pasa desapercibido, así como también se demuestra un registro de la máquina de cada ser humano.

 

 

 

 

 

 

 

ANEXOS

 

Cuenca- Ecuador

Museo Municipal de Arte Moderno

 

 

http://www.gclass.org/node/1389

Armando Andrade Tudela

Análisis crítico y estético de la obra de ARMANDO TUDELA (Perú)

Foro 2013

En esta obra Armando Andrade explora otros campos como la historia del arte, la arquitectura, el diseño y la sociología dándonos a conocer una obra diferente en la cual pone en primer plano el movimiento del tiempo y la ideología transmitida por los objetos culturales como una premisa a las relaciones humanas; inspiradas en la obra del arquitecto Frederick Kiesler , La casa sin fin y los mandamientos del modernismo internacional, donde recupera el proyecto de un edificio ovoideo.

Armando Andrade Tudela (nacido en 1975, Lima, Perú) es un artista que vive y trabaja en St Etienne, Francia y Berlín, Alemania.

Andrade estudió en la Pontificia Universidad Católica, Lima, Perú, el Royal College of Arts, Londres, y en el Jan Van Eyck Akademie, de Maastricht. Él era un miembro fundador del espacio de artista de ejecución y el arte colectivo Espacio La Culpable, Lima, Perú.

Andrade ha participado en la Bienal de São Paulo de 2006, la Bienal de Shanghai 2006 y el Torino Triennale 2005.

Su última exposición individual, INKA SNOW es una extensión de la práctica de la investigación en curso de la artista en las formas de Tropical Modernismo. En trabajos anteriores, como CAMION (2004), su serie de fotografías de la cartelera (2004-5) y Fragmentos de Escultura (2005), el artista se ha recombinado formas existentes e imaginarios de un creciente interés en las manifestaciones locales de la economía informal que se producen en el límite precario entre lo histórico y lo nuevo.

La obra consta de un video que dura 8 minutos aproximadamente cuya grabación es realizada en la Universidad de Lima en la Facultad de Arquitectura, dicho video es protagonizado por cuatro estudiantes y se encuentran realizando una maqueta ovoidea que mide 1.50 metros aproximadamente, sin separaciones internas, el video retrata las diferentes etapas de reconstrucción de una de las tres maquetas existentes.

La obra en su audacia evoca la teoría de la banda de Moebius[1] y una gruta primitiva y la forma de representar una obra metafórica a través de otros campos, en este caso la arquitectura cuya fuente de conocimiento le sirvió para conseguir un registro de los estudiantes, realizando de manera tan minuciosa, una maqueta cuyo objetivo era priorizar el trabajo en equipo, sin dejar de lado el talento de los jóvenes fue prescindible las tomas de diversos ángulos; por otro lado existe la experiencia  y se da a entender las relaciones entre humanos con simples gestos resulta fácil captar las sugerencias de cada uno de los estudiantes sin necesidad de audio.

Al ver la obra creo importante resaltar que la calidad del video no es muy buena ya que en ciertas momentos existe veladura, por tanto era casi imposible ver los movimiento en gran parte del registro, pero también pienso que podía tener un carácter intencional o planeado ya que no existe un antecedente del porqué de calidad del video, sin embargo lo importante es que enfatiza el trabajo en equipo en un carácter bello y una casa ovoidea sin restricciones y sin separaciones, dónde se comparta una misma habitación y armonía en pensamiento colectivo.

 

 

 

 

 

 

 

 

ANEXOS

 

Cuenca -Ecuador

Museo Municipal de Arte Moderno

 

 

http://www.sitographics.com/conceptos/notas/moebius.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Armando_Andrade_Tudela

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[1] Una superficie ordinaria tiene dos caras. Esto se aplica a las superficies cerradas como la esfera y el toro, y a las superficies con contornos curvos, como un disco o un toro del que se haya quitado un trozo.

Adrian Balseca

Campanas robadas

 

Fundiciones, Todo ladrón será quemado 2010

En el presente ensayo daré a conocer el trabajo de Adrián Balseca  y su obra que refleja las realidades de nuestra urbe todo lo que corresponde a la inseguridad en nuestro vivir y como resultado de dicho análisis la “viveza criolla” en el Ecuador, así también las cosas de la cuidad palpado como territorio, Balseca selecciona objetos simbólicos y realiza transformaciones en la composición, donde evidencia los modos de producción industriales y artesanales necesarios para convertir en materias primas.

“Adrián Balseca nacido en Quito en el año de 1989, es diseñador gráfico y artista plástico. Es miembro del colectivo de arte La Selecta – Cooperativa Cultural (www.laselecta.org). Actualmente trabaja el proyecto Archivo Móvil, dónde explora los límites y tensiones alrededor de la utilización del espacio público, cotidianidad urbana, identidades colectivas y ciudad. Ha realizado exhibiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país: L’etincelle qui met feu à la plaine, CAC, Quito ; From Within, and not necessarily our hearts – IN RIVERS Gallery, New York; Ornato y Delito, Ceroinspiración – Quito;; Quito en Zaragoza, Centro de la Historia – Zaragoza; Ecuadorian Renaissance, Community Art Gallery, Queens Museum of Art – New York; Lo que pasó, pasó, Espacio Arte Actual – Quito;; IV Encuentro Internacional de Arte Urbano al zur-ich, Quito, entre otras.”

La obra consta en una historia de la cual se resume en la inseguridad, el artista mira que en ciertos sectores de la cuidad existe la frase “Todo ladrón será quemado”, como mensaje al escrito él quiere corresponder, la acción que realiza para su obra es sacar la tapa del alcantarillado como un bien común del pueblo para fundirlo y realizar a través de esto una campana, en la obra consta un video de la fundición y la elaboración de la campana de aproximadamente 1metro de alto en la sala de exposición está el objeto terminado, que en este caso es la campana, cuya parte inferior está la inscripción “Todo ladrón será quemado”

“La frase que lleva la campana nos remite a los carteles de advertencia elaborados por moradores barriales para disuadir a la delincuencia dentro de un régimen de justicia popular, es así como Adrián Balseca paradójicamente comete un delito destinado a su propia punición y fundiciones es un ciclo cerrado de producción que tensa los límites de lo que se determina legal e ilegal, situando a la campana como único testigo”

La obra me parece que se maneja en un ámbito antropológico ya que existe un estudio de lo que fueron o son utilizados ciertos objetos en este caso como primer ejemplo la alcantarilla, el artista lo toma como algo que nos corresponde a todos, el control del espacio, la disputa del uso; de ahí él establece como un objeto de la cual se puede romper con lo establecido para formar nuevas leyes dadas por los habitantes del sector, que en este caso se trata de la inseguridad y por otro lado, la campana, como algo en lo que antiguamente se tocaba cuando ocurría algún tipo de hurto o simplemente para reunir a la comunidad.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ANEXOS

 

Cuenca-Ecuador

Colegio Benigno Malo

 

 

http://hangar.org/es/adrian-balseca/

http://blog.bienaldecuenca.org/293/

Meric algun Rinborg "la librería de los libros no leídos

Análisis  estético y crítico de la obra de MERIC ALGUN RINGBORG (Turquía)

 

La librería de los libros no leídos 2014

En el presente ensayo daré a conocer la obra de Meric Algun Ringborg y su enfoque en un contexto puramente conceptual; lo que la artista busca es volver visible el modi operandi de varios espacios de la vida contemporánea, que creemos normales e incuestionables, es por eso que parte de sus obras se originan de la apropiación de espacios públicos, en otro aspecto, dentro de la temática de la bienal “ir para Volver”, ella se halla perfectamente encajada en la noción de espacio y tiempo, en un medio globalizado, representado por un acelerado proceso migratorio y por la constante información.

“Meriç algun Ringborg nació en 1983 en Estambul y en la actualidad vive y trabaja en Estocolmo. Las diferencias de contraste entre la composición de las dos ciudades - Estambul y Estocolmo - sobre todo social y político, así como su movimiento entre los dos, juegan un papel clave en su práctica. Su trabajo se concentra en temas de identidad, las fronteras, la burocracia, el idioma y la traducción a través apropiado y " ready-made " textos, colecciones y archivos. Ha explorado la Biblia como líneas verticales de texto, libros de nunca prestadas sido - en las bibliotecas, el lenguaje burocrático de los formularios de solicitud de visado e incluso ha producido un diccionario de todas las palabras comunes en sueco y turco. Lugares de exposición Próximos incluyen Kunstverein Hannover y Galería de Arte Contemporáneo, de Vancouver. Algun Ringborg ha expuesto ampliamente en exposiciones colectivas e individuales que incluyen Marabouparken , Estocolmo ; MoCA , Detroit ; Museo de Artes Aplicadas, Viena; Art in General , Nueva York ( todas de 2013) ; CCA Wattis , San Francisco ; Witte de With , Rotterdam ; Malmö Konsthall , Malmö (todo el 2012 ) y la Bienal de Estambul 12 ( 2011 ) .”

La obra se encuentra dentro del Museo de la medicina y es la que lleva el segundo lugar en éste certamen, el concepto de la obra se haya en que la artista pidió todos los libros para los cuales nunca había solicitado antes un préstamo, con el afán de establecer una biblioteca con los libros nunca proporcionados; de ahí el nombre de su obra “La librería de los libros nunca prestados”

 “Sin embargo, los libros que se quedan atrás - aún existen en formato físico, organizado y sistematizado dentro de la institución representativa del conocimiento en todas sus formas, la biblioteca - aquellos considerados inútiles o por razones desconocidas se abandonan.” (Algun Ringborg, 2014); en la obra consta la placa donde lleva el nombre de la librería, consecutivamente están los certificados donde constata las condiciones de préstamo de los libros y finalmente está la instalación de la biblioteca de los libros que constituye dos estanterías con aproximadamente 200 libros.

La artista nos invita a la reflexión sobre el modo de cómo se crean y fortalecen los cánones culturales, que acaban por definir lo que será leído y sus razones, por otro lado la importancia de los libros que a pesar de no ser leídos, defienden algún conocimiento

Lo que se encuentra en la obra es una forma creativa de presentar la obra, la representación, limpia y el orden que mantiene donde especula una biblioteca real que nos comunica y nos invita a participar, al ser una obra abierta al público, nos da las pautas para inconscientemente cuestionarnos del porqué de los libros. ¿Por qué nunca fueron prestados? Y que aparentemente significa un hueco de la historia al no ser leído.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ANEXOS:

 

Cuenca-Ecuador

Museo de la Medicina

 

 

http://www.nordenhake.com/php/artist.php?RefID=199

Sonidos guturales y espasmódicos en afán de protesta

En el presente ensayo hablaré de Saskia Calderón y su obra Ópera Onowoka, la cual abordando la experimentación y el performance será una herramienta fácil para conocer la cultura occidental y autóctona, al mismo tiempo que explora el sonido como mecanismo narrativo de procesos históricos que favorecen al tema de identidad. La artista toma como punto a favor su experiencia en canto lírico, una técnica procedente de la antigua Grecia que requiere una preparación técnica; toma su voz como principal instrumento musical, y de esta manera también aplica ejercicios corporales y conocimiento local procedentes de diferentes culturas del Ecuador para la realización de la obra.

Resultado de la combinación como efecto son composiciones cacofónicas y desentonadas; lejos de ser una variedad de tonos, es un lenguaje cuyo objetivo es hablar de la historia, con un fuerte contexto social y político. La obra de Saskia explora por un lado formas expresivas y performáticas, por otro lado enfatiza los “conocimientos locales, ritos pre hispánicos o culturas indígenas que están amenazados de extinguirse dentro de un argumento de globalización con tono capitalista, sus performances hacen referencia a problemáticas ambientales y socio políticas, tales como los derechos de los pueblos indígenas y de la naturaleza.”

“Saskia Calderón nació en Quito en 1981. Obtuvo una licenciatura en Artes Plásticas en 2003 y se graduó de Canto Lírico en el Conservatorio Nacional en 2011.
Sus performances en algunos casos se manifiestan como críticas sociales, pero en este caso se trata de recreaciones de rituales populares.”

La artista en su obra Ópera Onowoka  manipula el vómito como una herramienta para llevar a cabo un ejercicio vocal lírico a fin de abrir la cavidad vocal y crear sonidos más amplios. Desde el esfuerzo y preparación en su corporalidad, la artista realiza una escala de notas, emitiendo un sonido claro y fuerte característico del canto lírico con sonidos guturales y espasmódicos de vómito.

El contraste incuestionable del video nos remite a la situación de los pueblos indígenas amazónicos, por la presencia de pintura corporal y facial, donde su hábitat por lo general se ve amenazado por la explotación petrolera. Al igual que los pozos de extracción, Saskia Calderón arroja un líquido negro que mancha su entorno como símbolo de los frecuentes derrames de hidrocarburo que existe en la Amazonía.

En esta obra la artista evidencia los hechos causados en contra del derrame de petróleo del 2008 que provocó desastre y cuyo resultado amenazó con la vida de pueblos indígenas de la amazonia. A través de su performance Saskia relaciona al accionar de su obra con el término de antropoemia[1], un conocimiento que según LevisStrauss, consiste en comer y vomitar al enemigo como forma de exterminio y expulsión. Es así como Saskia Calderón se interroga por la difícil convenio existente entre cultura y naturaleza.

En conclusión la artista utiliza como recurso su imagen y órganos corporales para realización de la obra más allá de ser una obra controversial ha logrado expandir un conocimiento alto el espectador en cuanto a pueblos de la amazonia ecuatoriana, sin embargo la obra no deja de ser enigmática en el sentido de duda o los saberes ancestrales y vocales, el video lleva consigo una carga de emociones e identidad sea o no un tema ajeno la experimentación como fuente de conocimiento es lo que llevó a ser una de las favoritas en la Bienal.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ANEXOS

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[1] proyección paranoica de una parte en la que se enquistan entrópicamente determinados procesos sociales, para de ese modo ser expulsados fuera; una especie de chivo emisario.

Cuenca- Ecuador

Museo de Arte Moderno

 

http://www.eluniverso.com/vida-estilo/2014/03/30/nota/2518721/saskia-calderon-gano-bienal-cuenca

Las hamacas de Balteo se mecen en la 12 Bienal de Cuenca

Las hamacas de Balteo se mecen en la 12 Bienal de Cuenca

 

Chinchorro (Moriche roto), 2004.2011

Chinchorro (Rojo roto), 2004-2012

Chinchorro (Muerte), 2004-2013

Chinchorro (Espacio-Tiempo), 2004-2013

Las obras de Alessandro Balteo surgen de una investigación profunda, y casi siempre en relación a otros campos, acerca de hechos o momentos importantes, y a pesar de ello respectivamente poco conocidos, de la historia reciente. A través de la combinación de diferentes elementos, el artista construye lo que ha denominado un enredo, con la intención de demostrar los intereses fundamentalmente económicos que definen y regulan la estrategia política y particular de los países como los Estados Unidos, Israel, Irán y Venezuela.

“Nacido en 1972, Balteo Yazbeck recibió su Maestría en Bellas Artes de su ciudad natal - Caracas, Venezuela, donde expuso su obra ampliamente para moverse adelante su práctica a Nueva York desde 2000 hasta 2010 En la actualidad tiene su sede en Berlín.”

Alrededor de 1990 el artista Alessandro Balteo Yazbeck logró ejecutar una práctica combinada que concentra las actividades de un investigador, archivista, historiador y comisario. Trabajando a través de diversos medios, sus obras se asemejan o reúnen las funciones de otros, en este caso el dibujo y el tejido; estableciendo la constancia que debe tener como la autoría y la autoridad cultural. Sus narraciones siguen estrictas reglas que se inspiran en las relaciones inusuales que establece una conexión entre las diferentes disciplinas, algo que con el tiempo ha ganado.

En la obra Balteo afronta los temas sociales y políticas de la explotación del petróleo, en este caso en su país natal: Venezuela. Como indicio importante, la serie fue concebida e iniciada en 2001, cuando el precio del petróleo había llegado a su cúspide en tan solo dos décadas. Cada serie de la obra está compuesta por una hamaca hecho a mano, dentro del cual descansa una serigrafía que simboliza una torre de perforación[1].

En la instalación de la obra se puede apreciar la calidad y forma de trenzado cuyo su significado nos revela el saber de quien lo produjo. De esta manera, coinciden con la crisis petrolera de 1979 y 1980 las serigrafías realizadas por el artista venezolano Rolando Peña, que representó grandes cambios en la explotación petrolífera mundial y desencadenó una

caída de precios que perdurarían alrededor de 20 años. En la obra también se puede evidenciar la tinta dorada que manifiesta la igualdad simbólica del petróleo con el oro como símbolo de igualdad, la que el artista Peña utilizó en su trabajo.

Al reunir las hamacas cada una con su sello artesanal y las serigrafías que aparentan un dudoso progreso, Balteo plasma una terminante crítica poética de las habilidades políticas venezolanas ocurrida los últimos meses.

En sus proyectos se ha visto motivado por asuntos socio-políticas que implican un fuerte impacto en el noción popular o tergiversaciones en el registro público como ya hemos vivido acostumbrados, por lo general se suele concentrar en la importancia de la propaganda como una estrategia política, en la instalación de la obra sus investigaciones a menudo " enreda " como lo dice el mismo artista, disciplinas diversas y geografías diferentes; de esta manera la obra carece de sentido en el mismo momento que se torna obvia y físicamente repetitiva.

 

 

 

 

 

 

ANEXOS

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[1] son utilizadas para realizar perforaciones de entre 800 y 6000 metros de profundidad en el subsuelo, tanto de pozos de gas, agua o petróleo, así como sondeos de exploración para analizar la geología y buscar nuevos yacimientos.

Francois Bucher y su cosmovisión de tiempo y espacio

Francois Bucher y su cosmovisión de tiempo y espacio

 

La segunda y media dimensión-Una expedición a la meseta fotográfica 2010

La duración del presente 2012

En este ensayo trataré sobre la obra de Bucher y sus temas donde él inició centrándose en cuestiones de ética y estética, como eje principal de su trabajo siempre explorando la frontera a veces inexplicable entre la violencia y su representación, entre realidad y ficción, como resultado de una crítica establecida del mundo; la que posteriormente centraría su reflexión sobre los medios y la construcción de la imagen mediática; de esta manera consecutivamente empezó enfocándose principalmente en los mecanismos de apreciación y de construcción de la imagen de manera subjetiva. De manera cada vez más directa, su obra se desvía de la reflexión sobre la imagen para abordar conceptos como los niveles de conciencia y la forma del tiempo, instalándose en un área inter dimensional, místico y esotérico.

“Francois Bucher es un artista de Cali, Colombia nacido en el año de 1972 que vive y trabaja en Berlín, es un artista formado en Cine por The School Art Institute de Chicago y fue premiado con una beca de investigación por el Whitney Independent Study Programe, en Nueva York. Actualmente es profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Umea, Suecia, dónde está llevando a cabo un doctorado en prácticas artísticas dentro de la misma institución.”

El trabajo de Bucher se trata sobre una investigación que se llevó a cabo sobre la imagen y su movimiento en la cultura contemporánea. Su reflexión está basada en los mecanismos que los seres humanos utilizamos como forma de vida sobre todo en el cine, la televisión y los medios de información, tomando mayor importancia en el aspecto político de la imagen en movimiento. Bucher ha emprendido varios proyectos y colaboraciones que han buscado abrir lugares alternos de pensamiento sobre la imagen.

Su obra está ubicada en el Museo Municipal de Arte Moderno de la ciudad de Cuenca y la instalación está formada de trabajos que pertenecen a dos series, la cual fue elaborada en los últimos, a pesar de ser dos obras diferentes, para el artista las obras forman parte de una misma poética.

La obra La segunda y media dimensión es el resultado de una exploración y trata acerca de la figura del antropólogo y criptólogo peruano Daniel Ruzo, quien en los años cincuenta estudió de forma absoluta la meseta de Marcahuasi en Perú, región cuya área está poblada de rocas gigantescas que en algunos ángulos se ve representada en formas zoomorfas.

Bucher maneja en su instalación, la fotografía y su negativo que establecieron para el antropólogo la prueba irrefutable de que las piedras estaban esculpidas por un pueblo hoy ya extinguido. Seguidamente, la serie La duración del presente está inspirada en el experimento casi semejante del científico mexicano Jacobo Grinberg, quien en su afán fundó y administró un laboratorio de neuro fisiología y fue destacado por su análisis del estudio de la conciencia.

De esta manera Jacobo Grinberg en dicho estudio fue que combinaba procesos experimentales científicos con parámetros por lo general calificados como místicos, como los chamanes y sus saberes ancestrales. El científico, en su libro hablaba sobre la teoría de un tiempo subjetivo y fluido, y no como en la cultura occidental de manera racional y objetiva.

En conclusión me parece que la manera más apropiada aproximarse al artista Francois Bucher es desde una perspectiva mitológica y científica,  el mito va aún más allá porque es también una obra generadora de conocimiento, la cual el espectador está interactuando como lo hace en su medio parecidas con el tiempo y el espacio, la cual se perciben la construcción de diálogos, verdaderas conversaciones que transportan a cambios en lo que distinguimos como la realidad.

 

 

 

 

ANEXOS

 

Cuenca-Ecuador

Museo de Arte Moderno

 

 

 

http://wradio.com.ec/site/conozca-a-los-artistas-invitados-a-la-12-bienal/

http://www.alarconcriado.com/index.php?id=2117#1